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你以为毕加索只会画抽象画吗?

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),是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家之一,立体画派创始人,毕加索和他的画在世界艺术史上占据了不朽的地位。毕加索是位多产画家。据统计,毕加索的作品总计近巴勃罗·毕加索是个不断变化艺术手法的探求者,印象派、后印象派、野兽派的艺术手法都被他汲取改选为自己的风格。毕加索的才能在于,他的各种变异风格中,都保持自己粗犷刚劲的个性,而且在各种手法的使用中,都能达到内部的统一与和谐。毕加索有过登峰造极的境界,他的作品不论是陶瓷、版画、雕刻都如童稚般的游戏。在毕加索一生中,从来没有特定的老师,也没有特定的子弟,但凡是在二十世纪活跃的画家,没有一个人能将毕加索打开的前进道路完全迂回而进。也正因此毕加索是一位线

世纪正是属于毕加索的世纪。毕加索在这个多变的世纪之始从西班牙来到当时的世界艺术之都巴黎,开始他一生辉煌艺术的发现之旅。在20世纪,没有一位艺术家能像毕加索一样,画风多变而人尽皆知。毕加索的盛名,不仅因他成名甚早和《亚威农的少女》、《格尔尼卡》等传世杰作,更因他丰沛的创造力和多姿多彩的生活,他留下了大量多层面的艺术作品。毕加索完成的作品统计约多达六万到八万件,在绘画、素描之外,也包括雕刻、陶器、版画、舞台服装等造型表现。在毕加索1973年过世之后,世界各大美术馆不断推出有关他的各类不同性质的回顾展,有关毕加索的话题不断,而且常常带有新的论点,仿佛他还活在人间。

立体派画家毕加索创作《牵狗的少年》这幅油画的时候,正是在巴黎处于贫困潦倒的时期。但是,因和费尔南代相爱,画家毕加索创作上从[

蓝色时期]一变而为[玫瑰红时期]。这幅作品和蓝色时期的色调相比,蓝色更为明快。这是以杂技团艺人为主题的一系列油画作品中的一幅。

这幅《赤脚女孩》之所以被视为毕加索现代艺术之旅的开端,主要因其任务比例的不协调以及超乎简单超乎简单再现任务层面的技法和风格,而这已是现代画派的特色。正由于这幅画,毕加索于1895

年作)出自20世纪最具影响力的艺术大师毕加索之手,创作于其艺术生涯著名的蓝色时期,有观点认为这也是毕加索艺术创作最辉煌的时期。这幅画作来自斯特拉勒姆(Stralem

)收藏系列,由安德鲁·劳埃德·韦伯基金会于1995年5月在纽约拍卖会上,以2,920万美元的价格投得,而交易款项由勋爵劳埃德·韦伯(Lord Lloyd Webber)捐出。毕加索曾经称他的绘画为其自传,而这一点于《喝苦艾酒的人》画作便一览无遗:此画完美展现了画家处于蓝色时期创作巅峰的画法技艺,亦透露了画家当时的生活状态及所处的亲朋密友。坐着的画中人桌前放了一杯苦艾酒,并手拿烟斗,烟雾袅袅而上。这幅画作强烈体现蓝色时期的画风,以深刻、随性、旋转自如的笔触绘画,让人联想起绘画大师埃尔?

格列柯(El Greco)的画作,也突显了毕加索高超的画技。1899年,毕加索在著名的餐厅CaféEls 4 Gats——该餐厅在19世纪末期和20世纪初期是艺术名流经常聚集的地方,巧遇见「喝苦艾酒的人」昂杰,毕加索立刻被昂杰自然流露的时尚风格所吸引,两人自此结为密友,甚至共同使用一双手套。他们通常各戴一只,并把另一只手故意藏起来。昂杰和他的兄弟马特鲁都是艺术家,马特鲁是多才多艺的雕塑家,而昂杰则是画家,并被毕加索戏谑为「有趣的败家子」。相比起毕加索对于艺术的热情,昂杰似乎更醉心于饮酒和派对狂欢。在昂杰将艺术创作为其副业时,他不久后却在西班牙内战中捐躯。借着毕加索的几幅画作,才得以让他们叛逆的青春期永久留存。这些画记录了他们在巴塞罗纳的酒吧及妓院所作的滑稽行为,现藏于巴塞罗纳毕加索博物馆内。

通过这幅沉思的肖像画,便可见主人翁对派对的享受,毕加索正正为了不致于因而分心,故特意迁往另一个工作室。

岁,刚刚在“洗衣船”——青年艺术家聚集的地方安顿下来。《拿烟斗的男孩》中集中展现了一个表情有点忧郁的青春期男孩,他身穿蓝色服装,头戴花冠,手里拿着一只烟斗。画面的背景是两大束色彩艳丽的鲜花。作品色彩清新明快,笔法细腻,人物和景致都刻画得生动逼真,是毕加索一生中很有代表性,也很经典的作品之一。1950年,慈善家贝特希

.惠特尼女士以3万美元购得此画。2004年5月5日,将这幅画交由美国纽约索思比拍卖行,并最终以创纪录的1.04亿美元(包括竞拍者的额外费用)价格成交,成为目前世界上“最昂贵的绘画”。拍卖当天,该画先以5500万美元的底价开拍,十多位竞买者线万美元。随后,两位主要的出价人很快将价格提升到9300万美元,当时全场响起了掌声。但是人们没有想到,一位神秘的买主紧接着将价格推到了1亿美元之上。最终,拍卖槌敲定了最后的价格——1.04亿美元。008

年布面油画纽约大都会美术馆藏这幅《斯坦因的画像》是画家毕加索受到在卢浮宫展览的古伊比利亚雕刻的影响而绘制的。从画中人物的面部特征来看,其突出的前额,严肃的表情,尤其是眼神均与斯坦因本人神似,但这似乎是面具的脸庞则极具古伊比亚雕刻的风格。其画风已经开始向“原始主义”画风过渡。伊比利亚是西班牙和葡萄牙两国所在的半岛的称呼。

.5×129.2cm 1903年布油彩克里夫兰博物馆《生命》是一幅反映下层人民生活的作品,是画家毕加索“蓝色时期”的重要作品之一。画面的形式已出现了某些变化,他借鉴塞尚的粗线条表现方法,内容也比以前更深了一层,并着意于下层人民生活中悲凉与凄楚的一面。画面以忧郁的蓝色调为主,通过一个家庭的形象来展示他们的贫困。左侧情侣以裸体形式出现,右侧的抱婴儿的母亲,象征了生活的沉重,背影是毕加索自己的两幅素描人体画。画家毕加索致力于表现“穷人”的境遇,以表达那种排遣不去的忧郁与彷徨。

1905年在其艺术生涯的“玫瑰色时期”所画的重要作品,小丑的形象被毕加索所钟爱就是从这时开始的,很多人相信小丑充满了毕加索自身的写照。《马戏演员之家》中一共

6个人,其中的4个男子是“毕加索团伙”的4位核心代表:毕加索、阿波利奈尔、雅各布和萨尔蒙。第一个小丑背对着观众,可以看出这是毕加索的身影;而阿波利奈尔则是以小丑兼智者的身份出现的,可见其在毕加索心中的地位。画面右下角的女子,则如幻象一般。这幅《马戏演员之家》被看作是画家毕加索对自己当时环境的一种寓言性的描述,就像流浪的小丑,毕加索被踏上了一条不知前景怎样的艺术之路,虽然有着智者的指引,但内心的不安还是时常隐现。

年素描此时毕加索已经完成了对新古典主义、浪漫主义、印象主义、表现主义等主要艺术风格的研究,正在求新图变;画中的他面容消瘦憔悴、神情迷茫,眼神中透着持着和狂热,正是饱受艺术煎熬的真实写照;从此以后,他进入了蓝色时期,开始了艺术创新的漫漫征途。

1903年,是毕加索忧郁时期的作品。当时,毕加索的画卖不出去,生活异常艰苦。生活的不顺使毕加索心情低落,也表现在他的画作之中。《悲剧》一画描绘的是一家三口的生活困苦、无家可归的悲剧。这是西班牙乃至整个欧洲社会动荡生活贫穷落后的悲剧,是世纪交替时期一代人痛苦沉沦的象征。

年布面油画纽约大都会美术馆毕加索曾说“吾绘所知,非绘所见”,正如其画。毕加索在描绘盲人进餐的情景时,是以心来表现的。油画用餐的盲人呈现出悲观主义的强烈情绪,毫无造作之感。这反映出画家毕加索已经能通过画作来表达自身的情感及心路历程的变迁。

年布面油画纽约州水牛城奥布莱特·诺克士美术馆藏在巴塞罗那位于比利牛斯山南麓的小山庄奥尔塔,毕加索为奥丽维埃为原型。在油画《化妆》中毕加索采用了古典主义的富有古希腊艺术风格的画法,两个结实的女子站在空白的背景前,其中的一个裸体女人正在照由另一个女子拿着的镜子,画面充满了宁静、深远的古典气息。

1904年决定定居于此。从宗教生活与文化品味向来自外于欧洲大陆的西班牙,到资本主义横行的大都市,让毕加索眼界大开。1901年,毕加索的好友卡萨吉玛斯(Carlos Casagemas)

自杀了,这个忧伤的经验后来被描绘成《卡萨吉玛斯之死》。孤独与异乡人的心境,使毕加索的绘画主题渐渐转向穷人。他在画面中呈现出来的贫困并非来自农村生活,而是某种“巴黎式的困顿”,混杂了城市边缘人与酗酒、堕落的形象。这些阴郁的主题及色彩,使得1901至1904年这段期间的作品被称为“蓝色时期”的创作。《男子肖像》是这个时期的代表作之一,除了色调较为统一之外,毕加索也开始强调线条的运用,包括五官的刻画已不再具有圆润的立体感,眉毛和眼睑则直接以曲线描绘,背景墙上悬挂的画作则更明显地大量运用线条勾勒。

年布面油画莫斯科普希金博物馆藏如果说站立于球上的纤瘦女子象征毕加索对美的不懈追求的话,那么坐着的雄壮男子则代表毕加索对艺术的坚定信念。尽管之前受到了不少挫折,出现了“蓝色时期”的忧郁苦闷的情绪,但毕加索从来没有失去过对艺术的喜爱与追求。

年布面油画美国费城美术馆藏画像中毕加索俯视向前,眼神中充满了幻想和自信,这与他在

年毕加索重返巴黎,此时的他已有足够的实力支付路费了。到巴黎后他的情绪趋于平静。随着风格的突破,创作数量巨增。在巴黎,他感觉到创作裸体画的自由,绘制了一系列的作品,以体现出在西班牙时受到压抑的性解放。这一次,他住在克里希大街的寓所里。陋室太小,生活起居和工作都在其中,而他的灵感却没因此消失。

《蓝色的房间和洗澡的人》就在这间屋里诞生的,和其他几幅相同色调的油画一起揭开了毕加索蓝色时期的序幕。当时,蓝色是他的最爱,不仅衣着,甚至连思考事物与观察外界都是蓝色;毕加索更认为蓝色是“颜色中的颜色”。日后艺术史家统称他这一时期绘画作品为“蓝色时期。”。

在巴塞罗那全市美术展览会上展出《第一次圣餐》,并获得一定好评后,毕加索做好足够的思想准备,把自己的情绪、心理调整到最佳状态,就动笔画那幅著名的《科学与慈善》。

毕加索的父亲唐霍塞,破天荒地亲自做模特儿,于是他就成了画面左边坐在病人床旁的医生。唐霍塞一生拘谨踏实,极少照相,后人也许只能通过这位“医生”来想像他的模样了。儿子毕加索充分借鉴流行的印象派的技巧,在以赭色、棕色表现悲悯和忧郁的同时,映衬着紫红、黄绿诸色,从而一扫伤感颓靡之风,画面成熟稳重,泰然自若,虽然尚没有摆脱学院派的影子,却也对未来的风格有所预示。比如,病妇那只柔软细长的手,就好比一段安详优美的语言,在款款倾诉。

1897年的马德里全国美展上获得赞扬,接着又在马拉加市的全省美展上摘取了金像奖。画面体现了

岁的毕加索决定画一套具有“沙龙风格”的作品,他征求父亲的意见,最后选中了三个题材:《祭坛男孩》、《第一次圣餐》、《科学与慈善》——既有宗教的,又有科学的。143

岁的毕加索决定画一套具有“沙龙风格”的作品,他征求父亲的意见,最后选中了三个题材:《祭坛男孩》、《第一次圣餐》、《科学与慈善》——既有宗教的,又有科学的。4月,巴塞罗那全市美术展览会上,毕加索的《第一次圣餐》陈列于第一展览室,标价1500

比塞塔。5月15日的《巴塞罗那日报》上刊登了一篇对这次展览的综合评述,其中也提到了这幅画,称其“画中人物富于感情,线条明快”。144

14岁时的作品。画中的女孩是一个普通的邻家姑娘,她随意地坐在一堵墙壁前,乌黑的大眼睛凝视前方,衣着朴素,不太干净的围巾胡乱地搭在肩上,粗糙的大脚显示出家境的贫寒。与粗手大脚相对应的是姑娘纯净的眼神、匀称的脸庞,以及忧郁、娴静的神情。从绘画技巧上来说,毕加索让人物正面坐着,却隐藏了椅子与地面的空间关系;在对女孩衣裙的处理上,他利用光的明暗突出层次感,裙子颜色从红色到暗红色渐变起伏,使得二维画面具有了一种三维透视效果。

对绘画技巧的驾轻就熟可见毕加索“学有本源,非率而命笔也”,这也正是中国画大师张大千在拜会毕加索之后的所言。当然,《赤脚的女孩》这幅画并不纯粹以技法取胜,难得的是毕加索在那样一个年龄却着力捕捉同龄模特儿的内在气质和生命,从结果来看他的努力亦非常成功。所以,表现在画中的强烈的视觉和情感对比才是这幅画引人入胜之处。毕加索本人对《赤脚女孩》也相当满意,一直将它保留在身边。

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